El festival Alcine ya entra en su fase final. Este fin de semana se pueden ver las obras ganadoras del palmarés y aún están disponibles las exposiciones temporales ubicadas en la Capilla del Oidor y la Sala de Exposiciones del Antiguo Hospital de Santa María la Rica. Yo mismo, ayer, fui a las exposiciones de ambos lugares, por la tarde, después de trabajar. Me pareció bastante interesante la dedicada a la animación y la de la cartelería de los cortometrajes. En todo caso, si queréis ver los ganadores, se pueden ver en la propia página de Alcine:
Este año estoy muy satisfecho por cuanto a todo lo que a cortometrajes europeos se ha premiado, puesto que es a lo que me he dedicado a ver, y creo haber oído y hablado opiniones muy diferentes en cuanto a los cortometrajes nacionales de parte de personas que acudieron a esa sección. Creo que en general hay satisfacción con los ganadores, pero hay una parte que no lo está tanto y apuntan algo que alguna vez anoté yo en ediciones anteriores, la duda de si lo que se está premiando son cuestiones cinematográficas o de otro tipo que no son cinematográficas. Y en ese sentido, en lo que respecta a Pantalla Abierta a Nuevos Realizadores, sección a la que le soy totalmente fiel año tras año, creo que la ganadora, Viva, si bien no es mala película, creo que entra dentro de esa duda razonable por parte del premio del público, aunque este año hay que reconocer que estaba muy difícil porque el listón estaba muy, muy alto. Un nivel inusualmente alto al coincidir en absolutamente todos los largometrajes.
Queda mañana domingo 15 de noviembre el concierto sinfónico de la Orquesta Ciudad de Alcalá, conducida como siempre por Vicente Ariño, que es otro clásico que desde que se produce nunca falto. En los últimos años ha sido algo espectacularmente maravilloso. Este Alcine 55, tan dedicado a la animación, el concierto girará en torno a la banda sonora de la saga de películas de Tadeo Jones. Será a las 12:30 horas en el Teatro Salón Cervantes. Las entradas suelen agotarse, aunque el año pasado aún hubo alguna disponible el mismo día. Suele estar repleto de gente. Lamentablemente el año pasado hubo una fila entera de personas y algún espacio más que decidieron no asistir. No hagáis eso. No compréis entradas si luego vais a dejar los asientos vacíos. Es feo y es frustrante para los que están en el escenario. Y fue un conciertazo.
Llegados al final del festival, quepa ahora hablar de los largometrajes de la sección a la que más fiel soy, Pantalla Abierta a los Nuevos Realizadores. Comenzó el viernes 6 de noviembre y tuvo el paréntesis del día 11, huelga general.
Anoche conquisté Tebas (Gabriel Azorín, 2025): Se presentó fuera de concurso como parte del comienzo de Alcine. Es un largometraje que ya ganó una mención especial en el D'A Festival de Cinema de Barcelona 2026, y fue nominada en el Festival de Cine de Valladolid-Seminci 2025. Aunque es una producción española está rodada en dos idiomas que no son español, en realidad podríamos decir en tres. Por un lado los dos principales son el portugués y el latín, mientras que el tercero aparece anecdóticamente en voz de una guía turística que habla en gallego. Un grupo de amigos excursionistas de Portugal han ido haciendo un viaje por caminos de campo y montaña adentrándose en Galicia hasta llegar a un pueblo costero pequeño y no turístico. Es un grupo normal y corriente de amigos que hacen su viaje en dirección a ese lugar en busca de las ruinas de un antiguo poblado romano, del que sólo quedan los asientos de las casas. Curioso el mensaje que recuerda una escena cenital que parece el juego del Comecocos cuando deciden caminar a saltos entre lo que sería las bases de los cimientos. Llegados a ese destino, donde hemos sabiendo de sus vidas y personalidades a través de su conversación animada en portugués, una pequeña escena con la guía turística hablando a un grupo de turistas nos hace saber que el pueblo se ha vuelto más turístico últimamente porque con la bajada del agua por falta de lluvias en Galicia (en 2025 ocurrió) ha sacado a la luz unas instalaciones romanas dedicadas al baño en aguas termales. Así que el pueblo las usa precisamente para atraer turistas. Y es a ello a lo que ha ido también el grupo de jóvenes. Al llegar la noche esta se presenta fría y brumosa. Ellos aprovechan para bañarse en taparrabos en aquellas termas romanas a la luz de las estrellas. Aquí la película cobra un cambio de ritmo. De repente se pasa a una especie de neorrealismo italiano donde las escenas se cuentan a tiempos real y, en este caso, con un plano fijo inmóvil de una sola escena trascendental en la que uno de los chicos le confiesa a otro que es homosexual y que está enamorado de él. Tiene un interés particular una interpretación de los sentimientos en duda en medio de ese acto de valor al confesar tanto la homosexualidad como el enamoramiento, mientras no recibe de su amigo ningún tipo de reacción ni a favor ni en contra, lo que le vuelve confuso, quizá avergonzado o arrepentido de la confesión. Decide cambiarse de piscina termal y ahí le encontramos sentándose a hablar con otro amigo que cree que debería regresar a su casa, o al menos escribir a su familia. Pero algo ocurre. Si uno se fija, aunque pareciera que siguen hablando en portugués, enseguida te das cuenta que hablan en latín. De hecho, prestando atención, ya no hay detalles propios del siglo XXI, sino de la Antigua Roma en épocas imperiales. Son dos soldados comunes que se encuentran descansando con su unidad en Galicia, antes de volver a ser enviados al frente de combate en la lejana Dacia. Esto lo vamos a saber en otro cambio de piscina termal, cuando se encuentren con un mutilado de guerra al que tratan de ayudar a lavarse y purificarse. Hablan de temas altamente humanos, incluso de un sentimiento religioso sutil, sobre su deseo de continuar con una vida normal, aunque se ven afectados por su servicio militar y sobre todo por la guerra, que los coloca cerca de la posibilidad de la muerte. Temen perder su humanidad y también su vida en todas aquellas guerras a las que les obligan a ir. Pero también sienten añoranzas de sus familias y una hermandad entre ellos, tal vez más sentimientos amorosos de corte homosexual ahora sugeridos, pero no explícitos. Conforme regrese el amanecer nos daremos cuenta de nuevo que regresa el portugués y los tiempos actuales, volviendo a ser esos amigos un grupo de excursionistas que, ahora, recogen para marcharse. Con esta es la segunda película que veo en cine rodada en latín, la anterior fue La Pasión de Cristo (Mel Gibson, 2004). Llama poderosamente la atención ser a su modo una película de romanos que no trata tema bélicos como normalmente los tratan en estos metrajes, ni asuntos de poder o de temas cristianos o mitológicos. Es una historia plenamente humana, muy delicada, que explora el alma humana y sus reflexiones, llegando a captar incluso el espíritu estoicista de la época. Es de un ritmo muy lento marcado por el diálogo y los planos fijos en secuencias de tiempo real, como se ha dicho. Hay que fijarse en algunos detalles estéticos del comportamiento de ellos, porque la interpretación oral, siendo el diálogo la principal pieza de este montaje, es muy plana. No se ha buscado una expresión emocional marcada y relevante, sino un cierto equilibrio como alejado del afecto. Eso hace que no sea un metraje fácil de ver, si bien una de las interpretaciones más interesantes es la del actor dedicado a representar a un veterano de guerra reenganchado con voz ya ronca y rota. Una apuesta de cine muy arriesgada, pero también claramente estudiada. Hay que aplaudir también el dominio del latín que muestran los actores. Ese trabajo de aprendizaje e interpretación no es fácil. Básicamente, personajes muy humanizados corren el riesgo de ser deshumanizados si han de reprimirse a sí mismos.
Corredora (Laura García Alonso, 2026): Sinceramente creo que esta es una película claramente ganadora. Llama la atención que coincida en su estreno en el mismo año que Karateka (Aritz Moreno, 2026), si bien Corredora se estrenó en primavera y Karateka lo hace en este mismo mes, en otoño, a la par que nos llega a Alcine Corredora, que sin duda alguna es su contrapunto total. Se debe a la coincidencia temporal a la hora de realizar ambas producciones. Obviamente no había premeditación entre sus creadores. Laura García, la directora de Corredora, ha emprendido una futura buena carrera cinematográfica si persevera en el oficio, como así parece ser que será, si atendemos a que sus primeros trabajos como ayudante de dirección ha sido ni más ni menos que con Pedro Almodóvar y con Ridley Scott. Ha tenido buenos directores como jefes para aprender. Sabe perfectamente dirigir a los actores para lograr lo mejor de ellos en una interpretación que es totalmente creíble y, lo más deseado en los directores de cine, logran transmitir las sensaciones y emociones que tienen y sienten los personajes, aún cuando el problema que hace nudo en la historia le es ajeno en la vida particular de muchos espectadores. Si ese problema lo piensas en otros problemas de convivencia familiar propio o por ti directamente conocido o cercano, la película es aún un motor mayor de transmisión emocional ante algo que se nos presenta aparentemente irresoluble y que hay que aprender a convivir y tratar con ello. Si Karateka nos cuenta la historia real de Sandra Sánchez, la deportista española que desde muy joven se empeñó en ganar un oro olímpico y lo logró con creces tras diversas adversidades personales y sacrificios, Corredora es la historia ficticia de una atleta que desea ser la primera corredora española en ganar un oro olímpico, sólo que su viaje resulta muy diferente al de Sandra Sánchez. La historia es ficticia, pero lo que narra es algo muy real que le ocurre a numerosos deportistas (por extensión a otras profesiones y en otros momentos de la vida). Le ocurre a numerosos deportistas algo que hasta hace muy pocos años no solía comentarse y que reventó cuando gente como la gimnasta Simone Biles o el nadador Michael Phelps decidieron parar porque mentalmente su salud había quedado totalmente rota. Las altas expectativas de ellos mismos sobre sus resultados (a veces ocurre que también la presión exterior sobre ellos, pero este no es el caso en el metraje) les provoca un nivel de autoexigencia que les lleva a límites tan insospechados que terminan teniendo un problema de salud mental. Necesitan reconducir su salud psicológicamente, y esto pasa por tomar algunas medidas físicas sobre la competitividad en ellos. Cristina es el personaje corredor de la película, interpretado por Alba Sáez en una interpretación plenamente solvente y creo que será premiada en los Premios Goya 2027, debería serlo. Ella en su deseo de ganar un oro olímpico se siente en competición directa a tiempo completo con todos sus compañeros en lo deportivo, pero en la vida común también lleva al extremo todos sus recelos frente a familiares y amistades. Consigo misma no es mejor y se ve en la necesidad de que su vida gire al completo en un control total dirigido a la victoria y al entrenamiento perpetuo. De fondo en su vida particular se nos dibujan algunas pinceladas que cobrarán fuerza en la mente del espectador según vayamos comprendiendo su problema. Cuestiones como la muerte prematura de su madre en la infancia, el agarrarse (sin parecerlo) a un pasado perdido y la necesidad de ser puesta en valor. Sus ansias le levan a una serie de manías que terminan en un problema mental de paranoia que estalla en un brote psicótico grave con posibilidades de terminar en esquizofrenia paranoide. Tras pasar por el hospital los médicos dictaminan que no compita en un año y medio, tiempo mediante el cual será tratada psicológicamente y con medicación. La convivencia familiar se vuelve muy difícil, ya que ella se resiste a no competir. Aunque baja sus expectativas al Campeonato de España, sus miras siguen en un oro olímpico. Continúa sus entrenamientos sin hacer caso a su tratamiento médico y provocando un conflicto familiar que trata de ser mitigado por los familiares. Así que la película también trata de la problemática familiar cuando alguien del núcleo de convivencia tiene este tipo de problemas que pueden acabar en una agresividad muy elevada. Un excelente lunes de comienzo de Pantalla Abierta con un gran número de espectadores en el Teatro Salón Cervantes, quizá favorecido porque muchos alcalaínos que trabajan en Madrid capital disfrutaban de un día festivo, ya que allí era la fiesta de La Almudena, así como muchos alcalaínos trabajan en empresas que siguen el calendario de la capital, aún cuando ellas mismas no se ubican en la capital. Una película que invita a la empatía y a la comprensión. A la salud mental, a que la vida es más sencilla y a pensar en los traumas no tratados y sus consecuencias. Porque en el fondo el espíritu competitivo de ella y su gusto extremo por el atletismo pareciera más una consecuencia derivada del trauma no tratado desde niña, que una sana afición y actividad deportiva. Transmite la angustia en todo sus niveles y logra que nos preocupemos por la chica, sin encontrar una respuesta para su familia. Y del mismo momento que la película te ha metido dentro de ella, es una buena película. Por cierto, un detalle, es un punto a favor que haya tratado el tema desde una familia media reflejándolo incluso en el tipo de casas y barrios en los que viven, con esos piso con un pasillo distribuidor y habitaciones pequeñas y pegadas entre sí, porque el cine occidental está cada vez más plagado de casas que son chalets y casoplones como si la gente común sólo fuera la que tiene dinero.
Iván & Hadoun (Ian de la Rosa, 2026): Esta fue la segunda película del lunes. La sala seguía estando llena por las razones dichas en el anterior metraje, muchas caras del público estaban en la primera proyección, pero sí es verdad que hubo más asientos vacíos, quizá porque la segunda sesión entre semana siempre juega con la problemática de que la gran mayoría de los que asistimos trabajamos temprano al día siguiente. Intuyo por lo que percibí entre el público que estaba que tuvo una muy buena acogida por muchos de los presentes, aunque no me queda claro si era por el largometraje en sí o porque el protagonista lo identificaron como alguien con problemáticas de identidad que no les eran lejanas, o mejor dicho de reconocimiento por parte de los demás sobre su identidad. Pero también hablé con otras personas que la consideraron película ganadora porque les gustó al tocar gran cantidad de temáticas sociales donde el elemento discriminador está presente. El director es Ian de la Rosa, que ya es muy conocido en España por cortometrajes y series de televisión de mucho éxito, en algunas de estas producciones como guionista. Todas ellas dedicadas a las identidades de género y las problemáticas que sufren homosexuales, transexuales y en definitiva todas las tendencias e identidades sexuales que recogen las siglas LGBTQ+. De hecho, en la serie Veneno (2020) tiene su parte como guionista, y ahí trabaja con directores como Los Javis, que actualmente tiene otra película que gira en torno a la homosexualidad, La bola negra (2026). La cuestión es que esta película trata en general de la discriminación. Aunque al final se nos centra en el asunto de la discriminación contra una persona transexual y que tenga una pareja, en realidad se nos trata también de la discriminación contra lo emigrantes, en concreto contra los emigrantes marroquíes o musulmanes, la discriminación entre clases sociales, patronos y obreros, la discriminación de diferencias de poder dentro de las familias, discriminación económica, discriminación también de patronal contra sindicalistas (como reflejo planteado implícito -pero no se atreve a desarrollarlo de manera explícita- de un enfrentamiento derecha-izquierda política y social, con discriminación de la derecha con poder hacia la izquierda sin él), y discriminación machista contra la mujer, también está ahí. Así que aborda un montón de discriminaciones y comienza incluso enmascarando la principal que le interesa al argumento, la contraria a la transexualidad, la cual ni siquiera se nos muestra abiertamente hasta pasado la mitad del metraje. De hecho, aunque hay alguna pequeña alusión en una pelea de bar, no se le dice al espectador de manera clara que un personaje es transexual hasta casi el último cuarto de la película. Así que la película nos trata de manera muy severamente importante lo que sería un problema de discriminación racial e inmigratorio mezclado con un problema de patronal contra trabajadores. Se explora para ello hasta las desigualdades económicas y nos muestra con realismo un falso victimismo que muy a menudo se ve en personas que es evidente que ganan mucho dinero (compran diversos pisos, aumentan el negocio, tienen buenos coches, hacen grandes comidas...), pero dicen que lo pasan muy mal económicamente, para pedirles solidaridad a unos obreros, en este caso unas trabajadoras, y hagan y acepten sacrificios tales como la reconversión y venta de la empresa, lo que llevaría a despidos. Es una película compleja. Usa muchas máscaras para poder llegar al problema de la discriminación a los transexuales, que al final queda muy diluido en comparación con el resto de problemas que se muestran. Es una película muy social, pero usa un lenguaje romántico a través de una clásica historia de amor de dos personas que pertenecen a "familias" enfrentadas. No hablamos de familias en sentido estricto, aunque también ocurre, sino que hablamos de ricos y pobres, españoles y emigrantes, cristianos y musulmanes, patronos y obreros, heterosexuales y homosexuales. Es una revisión muy arriesgada y difícil de llegar a esa idea de revisión de lo que sería Romeo y Julieta (Shakespeare, 1597) o los amantes de Teruel. El argumento ya está planteado. Un chico que pertenece a una familia que se ha quedado huérfana de padre, trabaja en una embasadora de tomates en una empresa que se intuye que ayudó a fundar el padre muerto junto al actual dueño. Ese actual dueño ha logrado todos los máximos beneficios, pero ha dejado que él pueda trabajar en la empresa, igual que su familia en el pasado, de los que se dice que fueron embasadoras, y ahora le asciende a ser jefe de línea. Se sienten familia, aunque una está supedita a otra y la diferencia económica es muy evidente. A todo esto, la fábrica va a ser vendida y trasladada, con la idea de comprar otra más grande. Planean mejoras en la compra de viviendas más lujosas e incluso vivir fuera de su pueblo. A todo esto están las trabajadoras, que viven precariamente y bajo unas condiciones de trabajo opresivas, aunque paternalistas, y con la amenaza del despido colectivo. Hay un conflicto laboral y social en el pueblo, que vive de la embasadora. El chico se enamora de una de las mujeres embasadoras y ahí comienza la particular historia de amor entre familias imposibles de entenderse. Sinceramente, algunas partes del diálogo de algunos personajes no me resultaron creíbles. El guion está bien escrito, bien planteado, pero hay unas pocas partes donde pareciera que algunos de los intérpretes están haciendo lo que hace un actor: decir su texto, pero no se te hace creíble como que te está hablando una persona. En este caso lo noté en algunas actrices, aunque son pocas las ocasiones. Una idea de película muy inteligente, pero que ha querido abarcar tanto que para mí le falta o más profundización en algún aspecto o quizá un planteamiento ligeramente diferente, aunque no mucho más. Es buena idea de guion, dirigir algo con tantas máscaras no ha debido ser fácil, pero creo que tiene algo que diluye todo, que no terminas por saber si lo principal es la historia de amor, el conflicto familiar, el conflicto social, el conflicto sexual, o cual. Sin embargo, mentiría si no dijera que una buena parte del público se sintió muy satisfecho con la película y lo que esta contaba.
Mala bestia (Bàrbara Farré, 2026): La sala volvió a estar a rebosar. En este caso tengo la ligera sensación, siendo martes, y siendo los martes un día muy complejo para Pantalla Abierta en los festivales de Alcine, que se ha debido a que al día siguiente era huelga general. Lamentablemente creo que los aplausos escasos y desapasionados de final de proyección, así como algunas reacciones en los pasillos de salida, me hacen pensar que la película ha descolocado a una gran mayoría que no ha sabido ni entenderla en su argumento, ni valorarla en sus detalles estéticos ni técnicos. Bàrbera Farré se estrena como directora de largometraje, aunque ella viene de la dirección fotográfica y eso se nota destacadamente. Tiene un gusto fotográfico y de iluminación muy evidente y de muy alta calidad. Incluso la dirección artística se ha puesto al servicio de la narración de la historia junto al vestuario, el maquillaje y el peinado. Sin una coordinación perfecta entre todos, la narración sería una narración fracasada. No lo es, no es una narración fracasada. Otra cosa es que la narración no se haya entendido, pero me temo que eso se debe a que cada vez más personas necesitan de mensajes directos y no reflexionan todo lo que pudieran aquello que ven. Empecemos por un guion que es pura poesía. Así tal cual. Puede creer uno que se trata de una ciencia ficción distópica, que se alimenta de las historias basadas en utopías fracasadas de comunas y falansterios que aquí se muestran a modo de internado lleno sólo de niñas, sin adultos. Pero no es una distopía, y por eso mismo se nos rompe la película en ese tono cuando se sale de las salas principales del internado y se va a un desván, un altillo, vacío, para pasar después a una casa amplia con una familia clásica de padre, madre e hija, y después a espacios abiertos de un bosque que nos lleva a una poza de agua con catarata. De una historia de internado extraño vamos a una historia familiar y de ahí a casi algún trazo de suspense que hasta tontea con el miedo llegando a homenajear una famosa escena de Drácula, de Bram Stoker (Francis Ford Coppola, 1992), en la cual el personaje femenino Mina avanza por un tupido jardín de noche, vestida en camisón blanco, atraída por un extraño y desconocido ser amenazante de ojos rojos. El argumento en realidad es una alegoría lleno de metáforas en todo momento. Y si no se entiende la alegoría desde algún momento antes de salir de la parte dedicada al internado, no es que no puedas reconducir la reflexión de lo que estás viendo, sino que puede que estés esperando algo que no va a suceder, o en otras palabras, no es una película de suspense y miedo psicológico al estilo de las de Night Shyamalan, por muy tentados que estemos de intentar asemejarla a El bosque (2004). Se la puede asemejar en cuanto hay una narración de cuento, con trazos de leyenda de terror, aunque sabemos que en el fondo es otra cosa. Ayuda a ello también una estupenda banda sonora con una música que nos recuerda las películas de terror de la década de 1970 como las que hacía Roman Polanski, o las historias que rodaba Chicho Ibáñez Serrador. Hay un coro femenino tan inquietante como precioso. En realidad es la historia de una menstruación. No es una broma ni un menosprecio, de eso se trata esta alegoría. Es un cuento preciosista sobre una menstruación y el deseo de ser madre que se ve frustrado. Es la historia de una mujer que desea ser madre y no lo logra. Es la historia de la imposibilidad de realizar el deseo de maternidad por parte de una mujer que quiere estar embarazada y tener un o una hija. Y se representa de una manera totalmente novedosa y experimental a través de una narración alegórica contando la vida metafórica de un óvulo. Así de simple, así de complejo. ¿Tiene final feliz? No. Por eso se llama La mala bestia. El óvulo protagonista es una niña que está llegando ya a la adolescencia, Atenea. Ella vive junto a otros óvulos en su internado, del cual salen cuando se hacen mayores. Deben subir a una habitación superior, cosa que ocurre cuando se manchan... y se manchan de rojo o de rojo negruzco, como el de las moras. Son flores blancas que si se manchan se van a un lugar que no saben qué ocurrirá. Saben que no mueren, pero sí que desaparecen. Y es que cuando Atenea llega a ese desván nada para su alimentación funciona hasta que de repente no sólo funciona, sino que además le aparecen un padre y una madre que hacen todo lo posible por alimentarla y hacerla crecer. Beben vino tinto y zumo de mora, y comen y se sienten enérgicos, aunque en determinado momento, según crezcan se sientan cada vez más cansados. Pero es que además, mientras crece, su ropa va cambiando a colores rojos, mientras su madre viste de blanco. Ella cada vez es más mayor, se le cambia su aspecto de niña al de cada vez más adulta. Y llega a conocer hasta jóvenes cazadores que corren por un camino de bosque que le han enseñado sus padres, cazadores que cargan con cuerdas que desean soltar, pero no sueltan y que quieren acercarse a ella y a hablar. Entre ellos hay uno que desea ser su novio, pero ella intuye que eso sería hacerse adulta y ella no quiere hacerse adulta porque no quiere desaparecer, como le dijeron en el internado. Y hay una poza, una poza que en el centro es profunda y a veces aparece un monstruo que deja las aguas rojas, dice la madre, y se lleva las niñas. Se intuye lo que puede ser una inyección para estimular la natalidad, fallida, igual que se ve claramente lo que sería un parricidio... que no acaba en parricidio exactamente, pero porque es evidente que la película no se trata de eso. Lo que no se entiende del todo bien es el final de Atenea, pero eso es otra historia. Esto ha despistado mucho al público, que sea una alegoría de algo tan inesperado, como cuando Lorca escribió El maleficio de la mariposa (1920). Me hizo gracia que hablando con una amiga que me encontré tras la película me dijera que no supo de qué iba la película, se lo expliqué y me preguntó quiénes eran los corredores... ¿y quién crees tú que eran unos corredores con cuerdas que todo el rato corren hacia ella y ella se les escapa siempre?, le dije. Como sea, su sentido estético es muy fino y notable. Ya no sólo esa fotografía mencionada. Son los colores acordes a cada momento, los escenarios abiertos y cerrados, la luz y la sombra, los objetos como esas lámparas art decó en forma de flor ahora hacia arriba, ahora hacia abajo, la idea de vergel, la idea de poza. Farré puede haber sido incomprendida, pero Farré sabe muy bien lo que quiere hacer y tiene una idea artística clara y sabiendo lo que quiere. No se pierde. Eso es algo que es un valor.
Upiro (Óscar Martín, 2026): La segunda del martes contó con mucha más gente que la anterior. Pienso que tanto por esa huelga general del día siguiente ya mencionada, como que en este caso vi a gente muy claramente amiga o conocida de los realizadores de la obra. Únicos hasta ese momento en ser presentados por Pedro Toro, director de este festival, quien llegó a pedir muchos votos por ellos, algo que quizá no debió hacer dada su posición en la dirección de Alcine. A algunas de las caras que me parecen claramente amigas de los realizadores del metraje las conozco, a otras las intuí, porque llevaban en las manos unos caramelos promocionales que en principio aún tenían, o deberían tener, sólo los propios productores. No obstante, Óscar Martín ha participado de Alcine anteriormente no sólo con cortometrajes, también impartiendo talleres creativos. Así que contaban con muchos incondicionales, nunca mejor dicho, presentase lo que presentase. El largometraje se ha estrenado en Alcine, aunque previamente lo ha hecho, con reconocimiento este mismo año 2026 en el Festival del Cine Fantástico y de Terror de Sitges. Su estreno en salas comerciales de España está previsto para 2027. Y se nota que el largometraje está pensado para el gran público, para el cine más comercial y para el espectáculo de masas. Lo que no es malo, yo defiendo este tipo de cine y soy seguidor, muy seguidor. En este caso creo que también se ha creado con un afán de ser una película taquillera (un blockbuster). Se encuadra dentro del género de terror. En España este género suele malograrse de manera frecuente, salvo casos muy notables pero que terminan siendo excepcionales. No es el género qué mejor manejen en general los productores españoles. Este va muy bien encaminado, hasta que en determinado momento retuercen varias veces el argumento, y lo que podría haber terminado para mi gusto como un excelente relato de terror, se va transformando en algo que busca ser un metraje de culto, luego parece que gira a un metraje con mensaje social feminista, después gira y parece que se nos presenta como una película de serie B que termina provocando la carcajada del público (lo que para una película de terror es todo un fracaso como película de terror, por mucho que triunfe como película por otras cualidades). Pero creo que los productores parecían sentirse satisfechos con ese resultado, así que supongo que buscaban un poco ese efecto de freak movie (película extraña) que sea capaz de atraer seguidores de culto cinéfilo de la serie B... aunque se ha rodado para no ser de serie B, estaría por decir y hasta por apostar. Upiro es la palabra eslava a modo de antiquismo que se usó por primera vez en la Edad Media para referirse a los vampiros. Y esa palabra es la que se usó en España por primera vez para hablar de vampiros en el siglo XVIII. De hecho la historia se basa en la historia real del primer caso registrado por la Iglesia católica española de vampiros en nuestro país. Sobre la década de 1790. Ahora bien, se basa en el registro y sucesos que se narraron históricamente, pero hay que destacar que se basa en eso para desarrollar luego una ficción inventada de relato de miedo posterior que completen aquellas partes que evidentemente no son históricas. La hija de un noble, medio extranjera, es internada en un convento de clausura por su padre y contra su voluntad, por lo que hemos de entender sería una libertad sexual prohibida para su época, o bien, por lo que se insinúa en un diálogo, linfomanía. Como sea, es hecha novicia y la juntan con el resto de novicias para formarla como monja en una muy estricta normativa conventual no exenta de castigos físicos. Una de las novicias será visitada nocturnamente por un extraño ser que le chupa la sangre a través de los pies y muñecas de las manos. La protagonista será víctima de este mismo ser, después de la trágica e inexplicable muerte de la primera. La abadesa quiere que se mantenga todo en secreto, mientras un sacerdote experto en exorcismos investiga a las mujeres. Descubre diversos mordiscos en todas que han de ser de un vampiro. Así comienza un intento de salvar mediante Cristo a las internadas, cuando la propia protagonista queda embarazada de lo que al nacer parece el bebé de un vampiro. Los problemas se precipitan cuando se practica una vivisección y un asesinato, que lleva a otro asesinato, a una investigación eclesial secreta donde se dictamina el error de valoración del sacerdote y el efecto de mordedora de murciélagos o ratas y después toda una evolución de acontecimientos donde se nos descubre que existe no sólo un vampiro, sino toda una sociedad de vampiros en el convento. Tiene una primera parte que parece realmente una producción muy al estilo de Estados Unidos o de Reino Unido con un gran despliegue de medios. Localizaciones excepcionales, ambientación artística muy perfecta, luz y fotografía ténebre y bien lograda, efectos especiales impecables y no vistos antes en España, actrices y actores de primer orden y muy conocidos en España... pero sin embargo, en muchas partes, hay alguna actuación que parecen estar leyendo el texto y no interpretando y asumiendo el personaje, especialmente en las actrices más jóvenes. Cuando la película alcanza su máximo primer nudo y desenlace de terror (y quizá deberían haberse centrado en este), todos los giros que vienen después pueden gustar a unos, disgustar a otros, pero creo que ayudan a quitar toda la carga en aumento que habían logrado ganar sobre todo a partir de después de que la protagonista principal deje de ser protagonista. Así, todo lo trabajado por ese personaje se pierde y debes reenganchar toda la emoción concentrada en otros personajes, eso rebaja toda la tensión ganada. Si la primera parte nos recuerda producciones equiparables a Hollywood, en una segunda parte parecemos entrar en un territorio más propio de Álex de la Iglesia, que trabaja muy bien y que ha pisado este tipo de películas oscuras, pero que ha menudo diluye mucho las expectativas generadas en sus narraciones, no siempre, pero a veces, y esto ocurre aquí. Lo que sí es cierto es que el vampiro mayor de todos los vampiros parece salido de su propia factoría. Recibió la mayor ovación del festival, con lo que es muy probable que tenga éxito tanto aquí como en posteriores escenarios. Lo que hay que animar es esta línea de cine, para que estos autores puedan continuar una carrera excelente que sumen y alarguen la trayectoria iniciada en la década de 1990 como el citado Álex de la Iglesia, o Santiago Segura, Guillermo del Toro o hasta Amenábar. El fantástico, la ciencia ficción y el terror en España son géneros donde hay mucho campo por trabajar, y yo a esta gente la veo continuando la trayectoria que Álex de la Iglesia inició.
Lionel (Carlos Sáiz Espinel, 2025): Fue la segunda película que presentó Pedro Toro junto a sus creadores. No presentó más películas de la sección. Comentaron que el trío de actores protagonistas, padre, hijo e hija, son familia en ese orden en la vida real. Por ello cabe pensar que aparte de interpretar una ficción pudiera haber algo de realidad. La sala volvió a estar llena el jueves en la que se presentó, un jueves de lluvia, por lo que tiene más mérito. Era la primera sesión, por lo que aún favorecía que mucha gente acudiera sin el agobio de llegar tarde a casa, teniendo en cuenta que al día siguiente había que trabajar. Tuvo bastantes aplausos del público, aunque menos que la de Upiro. Trata sobre una familia desestructurada en la que la madre murió hace muchos en medio de un proceso de divorcio que no culminó. El padre es de origen francés con una vida muy desordenada, que no se atiene a las normas de ningún tipo y que se dedica a la delincuencia menor y a las chapuzas. No es que se intuya, es que se muestra. Desde el primer momento aparece con su hijo robando palés de una empresa para poder encender un horno que tiene para cocer pan. Padre e hijo se tratan porque son familia, pero no se llevan bien. El hijo echa las culpas de su vida a su padre, mientras a la vez no ha superado para nada la muerte de la madre, a la cual a idealizado, ya que murió cuando él tenía 6 años de edad y casi no guarda recuerdos familiares. Por ello mismo, a pesar de todo, su padre es la principal fuente de información sobre su madre y sobre todo el resto de su familia, por lo que le hace numerosas preguntas, de las que el padre le da respuestas, no sin burlas, claramente para abrirle los ojos y despierte ante la vida. Sea como sea, se ven forzados a viajar juntos numerosas horas en un coche hacia Francia, ya que van a reunirse con su hermana, que vive allí ejerciendo de profesora de español. El hermano del padre ha fallecido y los tres se reúnen con varios motivos: el reencuentro, recoger las pertenencias del fallecido y ver a la familia del mismo y pasar un día juntos en la playa de Marsella. El propio padre ha pasado hospitalizado de gravedad dos meses y medio y está resentido por la falta de visitas que tuvo. El hijo tiene una aparente vida más ordenada y acogida a normas, lo que le hace chocar más con su padre, aunque en realidad, en lo más interno de él, no es así y tiene a veces arrebatos parecidos a los de su padre, igual que su hermana. La temática tiene algunos puntos que pueden resultar humorísticos, pero son una vida real. Lo cierto es que conozco en mi barrio a numerosos padres como el de Lionel, que en realidad tienen su código de conducta y moral, aunque parezca que no porque no sea el convencional. Me parecieron tres personas muy reconocibles de la vida habitual que yo conozco, por lo que creo que son interpretaciones muy solventes y realizadas, lo que era fundamental para narrar esta historia, pero me cabe la duda cuánto de interpretación hay y cuánto de realidad en las formas de ser, ya que como se ha dicho son una familia real. Es lo que se llama una road movie, una película de viaje, en donde el viaje físico también es un viaje interior que han de realizar los personajes. Han de entender que son familia y que en cuanto a lazos afectivos en ese sentido no hay otros. Así que, como los años avanzan, la muerte de la madre ya es irremediable, hay que asumirla, pero aún se puede apreciar y aceptar con sus contras, pero que también tiene pros, a aquellos que aún viven, en este caso el padre. Y esto es un mensaje bastante bonito. El aceptar al otro, y el pesarte mucho juzgar al otro, porque aquí nadie es impecable y ni nadie puede creer que lo que hace gusta a todos. Creo que es una película recomendable y creo que hay gente que más allá de lo que pueda resultar gracioso, la película les afectó. Al terminar vi cuando me levanté de mi butaca a una señora claramente llorando. Pensé que el mensaje final de la película le había tocado alguna fibra sensible en su vida y eso es algo muy importante. Es tarea del Arte. Ya lo dije, el listón de películas largometrajes este año está alto. El director hizo buen trabajo.
Viva (Aina Clotet, 2026): Esta es, como se ha dicho, la película ganadora. Fue también la que menos público tuvo, aunque la sala seguía estando bastante llena. Había, eso también es verdad, mayoría muy destacada de público femenino. Y quizá aquí hay uno de los elementos a tener en cuenta, pues el largometraje, aún teniendo un mensaje totalmente apto para cualquier identidad sexual, tiene un tratamiento muy claramente de óptica de la mujer y del mundo de la mujer. Ahora bien, insisto, su mensaje en realidad es válido para todo el mundo, porque las preocupaciones de la protagonista son en realidad preocupaciones que cualquier persona puede tener en su vida. La principal es el miedo a la muerte cuando existe la posibilidad médica real de que el propio fallecimiento no sea algo que esté lejos en el tiempo. También es verdad que es una historia que en cierto modo hemos visto contada en otras ocasiones con protagonistas masculinos, así que no está nada mal ese protagonismo de óptica de la mujer. Es algo refrescante y que ayuda a esa normalización de la igualdad. Habría que preguntarse porqué en esta proyección, y lo digo ahora desde mi perspectiva de veintisiete años ejerciendo de jurado del público, hubo un interés notablemente menor por parte de los hombres para asistir. Sí, hay cosas que trabajar aún en la sociedad y en las personas individualmente. Hay que hacer reflexiones propias, pero para hacerlas hay que darse cuenta que necesitas una reflexión propia. También creo que si el protagonista hubiera sido hombre, el resultado del voto o de que la película gustara, habiendo un público tan lleno de mujeres, hubiera sido diferente. Y sin embargo, ay, sin embargo, hay que insistir, la historia era una historia humana, algo que nos puede afectar a todos, que de hecho nos ocurre a todos, y da igual si le pasa a una mujer o a un hombre, es una historia humana y como tal debe ayudar mejor a comprendernos a nosotros mismos, más que apelarnos a solidaridades o sorodidades. La película creo que fue tomada como una película de humor en vista a dos cosas. La principal es que buena parte del público reía con algunas escenas. La otra razón es porque probablemente guion y dirección idearon la historia para descargarla de drama y tener algunos momentos que creo firmemente que Aina Clotet sabía que podían causar cierta hilaridad, sonrisa o directamente, como así ocurrió, risa. Especialmente porque juega con algo que es la complicidad del conocimiento de la psique de la mujer ante determinadas situaciones, como mujer que ella misma es. Y eso es algo fenomenal. Cuando una directora o un director entiende y se conoce bien como persona y conoce a las personas y es capas de construir una historia que llega a otras personas con ello, es reflejo de un buen trabajo. De un buen saber hacer. De saber crear bien. Sin embargo, la película es una drama tremendo, aunque ella haya sabido combinar ese humor. La protagonista acaba de superar un cáncer de mama tras la extirpación de uno de sus senos, con todo lo que eso afecta psicológicamente a la persona tanto por el peligro habido de muerte, como por sentir un cuerpo ahora diferente por lo que, digámoslo tal cual pero sin ánimo de dañar, es una mutilación física de una parte corporal tuya. Sin embargo, en la revisión rutinaria de ese final detectan algo indeterminado en el otro seno y la doctora desea hacer pruebas para ver qué es. La protagonistas reacciona en un sentimiento de negación primero que lleva a retardar esa prueba, como si no saber fuera algo que evitara lo que ella pueda temer. Le entra una angustia negacionista hacia la muerte que está latente en todo el metraje en un estudio muy bien realizado del funcionamiento de la psicología. Esa angustia se refleja en cambios de hábitos y actitudes como si ahora ella quisiera sentirse viva haciendo cosas nuevas y osadas que en su vida sin ese miedo no hubiera hecho. Una de ellas es encontrar una pareja sexual mucho más joven y en un tipo de relación prohibida (profesora y alumno, aunque en realidad tiene edad de ser alumno universitario, pero no se dice de verdad que sea su alumno). Otra es engañar sexualmente a su pareja estable de diez años de duración, con quien además vive. Romper con esa pareja sin decirle que le ha engañado y de un modo nada claro que, ahora comento como espectador hombre, puede hacerle sentir culpable a él. Hacer que sus necesidades inmediatas sean las únicas que importan, como colarse en una casa de madrugada o menospreciar los trabajos de investigación botánica de su pareja, o actuar de espaldas en su trabajo para quitarle a una compañera una gran oportunidad laboral para quedársela ella usando de la influencia de que su padre es el jefe. Pero todo es más complejo y el punto de vista de su amante joven cuando es él el que rompe por interés personal para ir a Viena, está ahí, como está ahí cuando regresa... Igual que regresa ella a su pareja de siempre porque no quiere estar sola. Hay pequeños a la vez grandes actos de egoísmo en todos los personajes que nos son guiados y explicados para rebajarlos como algo normal en todas las vidas a través de dos personajes secundarios, el padre y la madre de ella. De hecho la madre de ella es psicóloga, y el padre da consejos que, sin ser psicólogo, lo parece. En el fondo, la escena inicial de ella con ese pronóstico médico enganchará con las escenas finales donde, tras haber desaparecido aparentemente del argumento, regresará de golpe y porrazo lo que realmente está ocurriendo en pantalla y en ese personaje: tiene miedo a morir en un momento cercano y se niega a la idea de la posibilidad de que eso ocurra y a la muerte misma. Es buena película. Las interpretaciones no tienen error alguno. Está bien narrada. Es un acierto quitarle dramatismo al drama, pero sin olvidar el problema. El nivel, insisto, es alto en esta edición de Alcine. Y pienso que sí, que Clotet puede tener un futuro muy bueno haciendo cine. Comprende y entiende bien el alma humana, y eso promete que nos dará buenas historias futuras, igual que esta.
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