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Lo único a señalar es que la hora de apertura de la oficina para recoger las acreditaciones de jurado del público fuera la misma que el comienzo de la primera sesión de cortometrajes europeos, lo que forzó a ir a la carrera por el casco histórico y que algunos incluso se encontraran ya las puertas cerradas del Corral de Comedias. Yo, en mi caso, entré a sala a oscuras, a punto de empezar y necesitando que mi cuerpo se adaptase de correr por la calle a sentarse calmado. No es la primera vez que ocurre, otros años ya lo ha hecho, aunque no siempre fue así, es desde que trasladaron la oficina al Antiguo Hospital de Santa María la Rica. Deben repensar los horarios del primer día para evitar que a alguien le dé un síncope, como mínimo.
Sea como sea, yo fui a los cortometrajes europeos. y por aquí comento mi punto de vista.
CERTAMEN EUROPEO DE CORTOMETRAJES
CEIN 1: UN MAL PASO
Visite en terre irradiée (Anne-Sophie Girault, 2026 -Visita a una zona irradiada-): Una animación en blanco y negro basada en el trazo fino como hecho a plumilla, hay que subrayar el "como", que nos recuerda en buena parte al cómic. Tiene en realidad un trabajo de animación mayor y más técnico aún, trascendiendo el mero dibujo. Estaría por decir que se trabajó sobre los fotogramas, pero es percepción personal que no sé si acertada. En un futuro no muy lejano un hipotético accidente en una central nuclear del sur de Francia, dando con los Pirineos, ha dejado una amplia zona rural abandonada por el ser humano, mientras la zona menos afectada se usa para realizar viajes de turismo. Un grupo de personas de diversas nacionalidades van como eso, como turistas, en una ruta guiada viendo los pueblos abandonados, los campos inutilizados para el cultivo y los animales de granja supervivientes y descendientes que no pueden producir tampoco productos ganaderos aptos para el consumo, más allá de sus deformaciones y afecciones vitales. La misma guía del grupo es hija de un hombre que vivía en la zona afectada cuando ocurrió el accidente y que se nos dice que murió, hemos de pensar que de algún cáncer derivado. Todo queda tamizado por el comportamiento pueril de los turistas haciendo fotos y videos a todo tipo de cosas, donde tratan de hacer chistes para sus redes sociales, tal cual ocurre hoy día incluso en los escenarios reales de la Historia donde han ocurrido grandes tragedias. Los vecinos desplazados a un pueblo cercano han reinventado sus vidas creando todo tipo de comercios en torno a la radiactividad y sus efectos devastadores. Incluso se pretende reciclar algunas de las tierras para hacer construcciones. La animación reproduce diversos formatos de pantalla según cada persona usa una red social diferente. A todo esto hay un chisporreteo en la imagen, como si fuera una vieja cinta cinematográfica, que en realidad nos quiere recordar los efectos de la radiación afectando a la misma imagen. Una crítica social al mundo moderno, que ha perdido todo juicio crítico y ha comercializado hasta lo que les puede ser letal, especialmente si la lluvia porta radioactividad. Todo envuelto en una técnica de animación muy bien realizada. Como cortometraje social nos afronta a una perspectiva tanto ecologista, como de cuestionamiento social de los valores actuales, así como una crítica a un capitalismo que trata de sacar réditos hasta de lo más intocable, pero a la vez es una ilustración de la capacidad de adaptación a las circunstancias. Buen comienzo para el festival.
TMWYH (Helen Esther Aschauer, 2026 -TMWYH-): Un buen guion, un buen ritmo, buena fotografía con tiros de cámara inteligentes mostrando siempre un punto de vista que nos lleva a pensar lo que la directora quiere... y es que es importante que pensemos lo que la directora quiere para que, llegados al final, nos fuerce a estamparnos con la sorpresa: nos tenemos que liberar de prejuicios a la hora de opinar sobre el otro. Se trata de otra denuncia social. Básicamente una chica que está en una discoteca con su amiga se ven ligando, o al menos hablando, con chicos y al final de la noche para ellas pues, lo normal, deben irse a casa. Cada una a su casa. Y es en la separación donde se denuncia el miedo y la inseguridad que pueden sentir las mujeres ante un posible acosador sexual que acabe en asalto y agresión. Así que la película necesita meternos en el ambiente y en el punto de visa de ella. Sólo que también te juzga a ti mismo como espectador, y esto se ve al final del metraje, porque al final hay un doble mensaje, y es que esta inseguridad nos perjudica a todos, a ellas principalmente por el miedo, a nosotros por lo que se nos juzga, a la sociedad al completo por ser jueces sin tener pruebas ni acusación concreta. Lo que más me gusta es el sentido cinematográfico de la autora y creo que, si persevera, podría hacer un largometraje. Claro que también me ha gustado que en esta obra ella sabe que está rodando un cortometraje y se ciñe a sus tiempos, y eso siempre es de agradecer y mucho. No es pretenciosa y usa excelentemente lo que tiene. Ahora bien, parece un cortometraje con cierta capacidad de disponer de medios a juzgar por la dirección artística que nos mete en una discoteca, calles, picados, contrapicados, tiros largos de cámara, luces nocturnas brillantes y oscuras, interior del suburbano, puentes, viviendas... Sólo poder rodar dentro de un suburbano es ya un declaración de sus capacidades. Bueno, en parte los cineastas también son esto.
Go ye afar (Frank Sweeney, 2026 -Vete lejos-): Altamente surrealista. Tan altamente surrealista que personalmente pienso que pierde su sentido y su lógica... y lo digo siendo yo a menudo alguien que incurre en el surrealismo y que consume mucho surrealismo y psicodelia. Creo que a mitad de metraje pierde todo su ser y se transforma en una especie de historia que no sabes muy bien de qué quiere hablarte en realidad. Si lees su sinopsis sabes que el director ha querido seguir los viajes épicos de la literatura irlandesa. De acuerdo, conozco esas épicas e incluso sus relatos históricos, pero ni aún así. Para mí, ni aún así. Un taxista conduce su taxi en un viaje imposible desde la África colonial donde hubo misioneros irlandeses a la Europa actual, pasando por diferentes épocas. Se supone que el guion se ha realizado a través de diversas entrevistas a taxistas irlandeses sobre historias que les han compartido sus viajeros. Todo unido nos pone en un taxi que metafóricamente viaja por una carretera interminable, en dirección contraria en una carretera cortada por una manifestación, en el pasado de la década de 1960, en la actualidad, a través del mar, sobre las nubes... se avería y atendemos a un discurso entre político y social cuya metáfora que se usa a mí me resulta más ridícula que a tener en cuenta... En fin, no digo que no tuviera todo ello sentido y que alguien se lo encuentre, lo que sí digo es que para mí a mitad de metraje se transforma en un desbarajuste y un cajón de sastre. Lo que parece que se ha querido trabajar más es la producción del montaje y un manejo de diversas texturas, según la parte del relato que se cuente, así como lo lisérgico de los primerísimos planos en la escena de la avería. Se nota una intencionalidad en el mensaje visual y un manejo de la combinación de diferentes formatos, pero no le sacaría mucho más.
Trio (Fridtjof Stensæth Josefsen y Morten Borgestad, 2025 -Trío-): Para mí es una de las mejores que se han presentado. Gran acierto. Además, cuando un cortometraje entiende que es eso, un cortometraje, eso es siempre algo a aplaudir y a tener en cuenta a la hora de juzgarlo. Recupera algo que para mí es un punto a favor, el sentido del humor de los antiguos cortometrajes que comenzaron el cine. Me recuerda en concreto el humor de Buster Keaton, un personaje más o menos burgués, pero tirando en lo personal a mediocre y torpe, que las circunstancias siempre le sacan de donde quiere estar para colocarle en situaciones incluso peligrosas o dañinas para él. Está lleno de golpes de humor que vienen directamente de esa clase de cine mudo de Keaton. Y funcionan. Sí, funcionan. Toda la sala reía. Más de cien años después sigue funcionando, y lo hace con un cine sonoro que prescinde del diálogo, con un color muy nítido, muy definido, y con unas posibilidades de realizar encuadres de cámara mucho más avanzados que cuando se hacían en 1920. Tres amigos caminan por las calles de una ciudad hablando entre ellos. Hay uno de los tres que quiere estar a la par, pero los tamaños de acera y diversas circunstancias de la vida normal de la ciudad y su arquitectura le van poniendo en un impedimento cada vez mayor que le provocan problemas cada vez más enrevesados. Puro Buster Keaton. De fondo también plantea las desigualdades dentro de los grupos. Esto en psicología de masas y psicología social está estudiado. Incluso en grupos donde todos son teóricamente sociales, esto no es así. Existen jerarquías y no siempre los individuos quieren estar en el lugar donde el grupo les coloca, normalmente inconscientemente por una serie de razones psicológicas, otras sí es algo consciente, pero lo normal es un juego de papeles, de roles, que nos asignamos los unos a los otros. De verdad que algo tan visto en el cine mudo del siglo XX tiene aquí una frescura muy buena. Tiene algo también de trío de payasos, de clowns, de contorsionistas y saltimbanquis, no olvidemos que la gran mayoría de los humoristas del cine de comienzos del siglo XX venían precisamente de ese mundo circense y lo pasaron a sus metrajes. Y de paso los directores nos recuerdan otra cosa: el cine no sólo nació como arte o como herramienta para le mensaje social, también, principalmente, nació como entretenimiento. Esto también se agradece.
CEIN 2: ESPÍRITU OLÍMPICO
No skate! (Guil Sela, 2025 -¡Prohibido patinar!-): Y si la anterior sesión nos recordaba los cortometrajes de humor que hacía Buster Keaton, este nos transporta de nuevo a ese cine de humor de comienzos del siglo XX, sólo que este nos remite a otro mítico: Charlie Chaplin. La diferencia de los personajes de Keaton y Chaplin era un contrapunto. Hubiera sido tremendo verlos actuar juntos en alguna película. Chaplin representaba a menudo a un vagabundo, a una persona desafortunada en la vida, a un proletario muy necesitado, a un perdedor, podríamos decir. Un perdedor que por sus cualidades humanas y por su sencillez siempre terminaba ganando. A su modo, pero ganando, porque perdedor, seguía siendo perdedor. Además Chaplin le metía a sus historias mucho más argumento que Keaton. No es raro que Chaplin cuando llegara el sonoro siguiera triunfando en largometrajes, aún cuando en estos no hablara a menudo. Además Chaplin nos inspira ternura y siempre le vemos detrás de una mujer de la que se enamora, pero que es una mujer imposible para él por ser muy diferentes. Las historias terminan siendo intentar saber cómo Chaplin conquistará a su amada mientras en sus intentos y su mala fortuna le ocurren todo tipo de situaciones comprometidas. Situaciones que no huye y que por eso a menudo le ocurren todo tipo de desgracias que le llevan de desgracia en desgracia y hace que su personajes suela recurrir a intentar eludir el conflicto incluso usando trampas y diálogos que lo único que hacen es empeorarle el panorama. ¿Por qué hablo tanto de Chaplin? Porque este cortometraje es eso, sólo que en sonoro... muy necesario sonoro, porque aquí nuestro Chaplin particular es un perdedor que no para de hablar, aunque lo que diga no vaya a ningún lugar más que a su propio desastre. Un chico con un trabajo precarizado, es un chico anuncio, lo que tiene algo de denigrante, se lleva bien con todo el mundo, aunque no tenga gran cosa, pero él le ve el lado positivo, le gusta (muy Chaplin, muy Charlot). Así es cómo ve una situación de desamor entre una compañera de trabajo y su novio, patinador. Él interviene una vez que se va el novio para intentar animarla. Y ahí empieza nuestro Charlot más puro, incluyendo esa broma inocente en la que al ir a dar fuego con un mechero saca un paquete de chicles que trata de usar como mechero. Y como el personaje es como es, para su desgracia su propia madre alquila el lugar donde vive él a unos turistas, así que ella le ofrece vivir con ella y así se va metiendo poco a poco en una historia romántica... pero a la vez en una relación de ella con su pareja en plena ruptura. De fondo vuelve a haber una crítica sutil a la mercantilización de la vida y a la especulación que hace de todo el capitalismo al llegar las Olimpiadas a París. Está inteligentemente rodada e interpretada. Son dos grandes intérpretes que además cuadran perfectamente como pareja cómica. Además, ella tiene unos recursos de interpretación facial y con la mirada muy elaborados. Es creíble al completo su transmisión hasta de sus pensamientos interiores en el cambio de mirada sentimental que vivirá con este personaje. Y ese final de los dos alejándose paseando juntos hacia el horizonte... eso es de los más Charlot que hay en cine, incluido un traje ridículo que desentona con el resto de la sociedad. Para mí es otra de las ganadoras.
2:Love (Ronni Shalev, 2026 -2:Amor-): Una animación clásica que desde el principio nos introduce en el sentido del humor surrealista. Un surrealismo que aquí sí tiene un sentido entendible. Aún con lo dicho, es verdad que hay una parte donde la animación clásica se combina con otra infográfica para cambiar el ritmo narrativo de una hipotética realidad a un mundo onírico que adorna la realidad. Ahí juega un papel importante el montaje. Con cánticos celestiales de un grupo de jóvenes recoge pelotas de tenis comienza un partido de tenis femenino donde las protagonistas son las dos chicas recoge pelotas de cada lado de la pista. Llamadas a una labor sin la cual parece que el tenis pasa a otro plano, se inicia unos nervios y una tensión entre ellas, que parecen contrapuestas pero que realizan una labor colaborativa para que el tenis se pueda dar. Es en realidad una competición entre ellas que es tensión sexual sin resolver que irá en ascenso hasta su resolución en una explosión de ruptura de las normas establecidas de los recoge pelotas y el tenis que llevan al frenesí de la libertad sexual y total en el estadio entero. Divertida y con un punto poético entre líneas que no sé si habrá sido saboreado por el resto del público, pero que visualmente estaba ahí. Y sí, una reivindicación de la libertad sexual y amorosa.
Son (Leona Cauklija, 2025 -Hijo-): Aquí hay mucha post-producción. Estaba narrada a modo de falso documental. Se intuye que se ha invertido por necesidad mucho tiempo para poder captar las imágenes (son imágenes fijas fotográficas muchas de ellas, aunque haya alguna en movimiento). Hay numerosos lugares, estaciones meteorológicas, numerosas localizaciones fotográficas y composiciones diversas. Es un documental muy basado en lo técnico. Una mujer que cree que su hijo murió reconoce la pintada callejera de él y sabe que vive. Se dedica a buscar por toda la ciudad dónde ha puesto su grafiti, trata de saber cómo se encuentra según estén las grafías... y decide comunicarse con él creando su propia marca de grafiti haya donde este la de él, que acaba comunicándose con ella del mismo modo. La complejidad de las relaciones afectivas de familia, que nos lleva incluso a un documento de él de niño cuestionando ser alguien para alguien, transforman los grafitis en un medio de comunicación y llenan a esta historia en una historia que por ternura avanza de la incomprensión a la comprensión, al reencuentro. Pero es un cortometraje muy cimentado en esa post-producción y un trabajo de localizaciones y fotografía muy necesario. Intentando transformar lo frío de la ciudad en algo más cálido. Ese trabajo hay que reconocerlo, aunque es una historia que se queda en lo narrativo en algo correcto, que no está mal. Así que: bien.
I will try to find you in the new system (Gabriele Biasi y Alberto Moscone, 2026 -Intentaré encontrarte en el nuevo sistema-): Anotaré que estando la presencia de uno de los creadores, no entiendo porqué él se empeñó en hablarnos en un inglés correctísimo, que fue traducido por la persona de Alcine correspondiente. Es retórico, sí lo entiendo. Lo que quiero remarcar es que si hubiera hablado en su italiano natal a una velocidad no muy rápida, creo que la gran mayoría de españoles le hubiéramos entendido. Pero es una tontería. No tiene importancia. A mí este cortometraje me dejó indiferente. Lo confieso. No sólo no me dijo nada, es que me pareció algo impostado. Interpretaciones de los actores poco creíbles, o que no me transmitieron esa angustia que se supone que tenían. La propia historia no me atrajo nada. Además es un mensaje visto en ediciones anteriores de Alcine muchas veces ya. La búsqueda de imágenes y documentos cibernéticos antiguos para reconstruir la propia historia o una historia ajena, es la base de la excusa para mostrarnos una historia que en este caso es de ficción pero que sirve de documental de la Historia reciente de la informática y los peligros de perder nuestros testimonios con el uso de la informática, y de paso nuestras relaciones sociales más humanizadas y menos por medios digitales. Todo esto se narra a través de un trío de amistades en el que uno de ellos hace tiempo desapareció, teóricamente absorbido por una oscura asociación que trata de disolver a las personas dentro de los sistemas informáticos. O sea: que dejen de relacionarse en la vida real para que sólo sean capaces de relacionarse por Internet y con ello ser parte del sistema informático, que a la vez es parte de la construcción de un nuevo sistema social mediante el cual controlarnos, deshaciendo nuestra individualidad social más humana en otra individualidad colectiva y cibernética. ¿Qué tiene a favor? Un montaje de post-producción tremendo montando todo tipo de formatos de imagen. De cine, de video digital, de video analógico, de cine antiguo, de fotografía, de informática... de testimonios de documental antiguo... Y han hecho una exploración documental amplia que va retrotrayendo los diversos sistemas informáticos que soportan nuestros ordenadores desde este 2026 a más o menos los sistemas de Windows del año 2000. Quienes hemos vivido el comienzo de Internet en España a nivel popular desde la segunda mitad de la década de 1990 recordamos claramente las grafías y los programas que se muestran. Entiendo que para alguien nacido en el 2000 y ahora tenga 26 años de edad, o incluso que sea menor, esto sea algo llamativo. Ay, si vieran lo que vimos aquellos que tuvimos un ordenador personal a mediados de la década de 1980, sin Internet, evidentemente. Si hay que reconocerle algo a esta obra es eso: su proceso de documentación y su montaje. La combinación de texturas está ahí, pero se la cedo al anterior cortometraje del que ya hablé de ellas.
CEIN 3: LA INDUSTRIA DE LOS SUEÑOS
No asistí a esta sesión porque a la vez programaron el primer largometraje de Pantalla abierta a los nuevos realizadores, y, aunque estaba de concurso esta primera sesión, es la sección que procuro no fallarle nunca. Ya hablaré de ese largometraje cuando corresponda. Entre tanto traté de localizar estos cortometrajes en Internet, pero no los vi accesibles al completo. Así pues, me abstuve en su votación. Es una de las problemáticas del jurado del público desde hace ya varios años, que algunas secciones a las que puedes ser fijo se solapan, en este caso aunque la del largometraje estuviera fuera de concurso, porque la fase de concurso comenzaba el lunes. En todo caso sus cortometrajes fueron: Ce qui n'existe pas (Lazare Gousseau, Franck Morand y Guillaume Senez, 2026 -Lo que no existe, no existe-), Dzisiaj przysni mi sie woda (Tonight I'll dream about water) (Adrianna Matwiejczuk, 2025 -Esta noche soñaré con el agua-) y Our land of enchanment (Annabelle Amoros, 2025 -Nuestra tierra de encanto-).
CEIN 4: QUIETO PARAO
Should virtual petz die? (Carlo Galbiati, 2026 -¿Deberían morir las mascotas virtuales?-): Este cortometraje juega con una idea muy similar a I will try to find you in the new system. Jugando un poco con la añoranza y la melancolía de juventud trata la historia de una de aquellas mascotas electrónicas que se pusieron de moda sobre la década de 1990 y que en la de 2000 evolucionaron según evolucionó la programación de estos pequeños juegos electrónicos de entretenimiento. Para quien ni lo recuerde o no lo conociese, eran pequeñas máquinas de bolsillo que también tenían su formato en ordenador mediante el cual se generaba una mascota electrónica con forma de perro, gato u otro animal, y tú debías cuidarlo más o menos como si fuera real. Darle de comer, pasear, entretener, etcétera. El juego, que aún tiene sus seguidores, fue perdiendo la fuerza de su popularidad, pero también ocurrió que según avanzaban las diversas versiones de los sistemas informáticos, algunos de los programas antiguos se iban quedando obsoletos. Igualmente, cualquier fallo o avería informática te obligaba a recomenzar el juego, por tanto la mascota. Y de esto va. Una mujer adulta perdió su mascota de niña y desea recuperarla. Repasa los diversos formatos y evoluciones del juego. En realidad nos habla del paso del tiempo, de la Historia de la informática, de la excesiva unión de la persona con un mundo virtual irreal en lugar del real... Porque en parte el juego también tuvo esa polémica cuando nació. Habiendo animales reales en la vida real, ¿por qué tener uno electrónico? El desarrollo emocional y el enganche con la realidad cambian. En todo caso, este cortometraje recuerda mucho al anterior citado. Vuelve a cobrar importancia el montaje y toda una investigación en los antiguos sistemas e infografía informáticos.
Stroiciele (The tuners) (Paweł Chorzępa, 2025 -Los afinadores-): Un documental donde el sonido es lo fundamental. Hay un estudio de la fotografía y la luminosidad, pero lo fundamental es el sonido. Un grupo de afinadores, pero también de transportistas de pianos, preparan el traslado y el afinamiento de tres pianos para un importante concierto que habrá unos meses después. Pone de relieve la importancia de las personas cuyo trabajo no se ve, y a menudo no se piensa ni en ellas ni en ese trabajo-, pero que es fundamental para que funcione aquello que luego se destaca, el concierto y el pianista concertista. Un documental que se dirige bien a su objetivo. Correcto, que en sí mismo parece estructurado a modo de concierto mismo con diferentes partes y ritmos. Contiene cierta sobriedad.
Beneath the night (Maximilian Karakatsanis, 2026 -Bajo la noche-): Es interesante en este cortometraje lo que el propio festival indica: está rodada en analógico de 16 mm. Se nota en su textura fotográfica. Tiene ese sabor de cine más tradicional. Un conductor de metro introvertido tiene una característica contradictoria: tiene el pelo teñido de verde. En una campaña publicitaria de los servicios públicos del suburbano se hace una sesión fotográfica de sus conductores para ver cuál de ellos será seleccionado para los carteles. Es seleccionado él. Recibe las felicitaciones de sus compañeros de trabajo y de repente es reconocido públicamente por la calle y por los túneles del Metro. Su introversión se ve confrontada con esa fama inusitada y algo silenciosa, pero llena de miradas directas hacia él. De repente alguien cuya tarea es fundamental, pero que a la vez es anónimo, pasa a ser alguien reconocido de manera relevante. Interpretaciones bien hechas. Buena estructura del guion. Hay poco diálogo, pero hay toda una historia que se narra a través de lo que se nos presenta en escena.
If only (Ada Güvenir, 2026 -Si solo-): Una animación basada en trazos limpios y un blanco y negro que cambia al color según avance un recuadro sobre él y cambiando la visión de la realidad que se nos muestra en blanco y negro. Tiene cierto sentido del humor. Cuenta diversas historias que se cruzan entre sí de una pareja de personas y un grupo de animales, algunos a modo de mascota y otros a modo de antropomorfo. Quiere hacernos poner la atención que las historias aparentes de personas pueden contener en sí historias diferentes que a la vez se combinan con esas otras historias aparentes. Hay, como en otro cortometrajes seleccionados, cierto punto de surrealismo.
Cacciatori d'uranio (Davide Palella, 2025 -Cazadoresde uranio-): Creo que fue el mejor cortometraje de este bloque. Es una obra de ciencia ficción con una idea básica. Combina rodaje de actores reales con animación. Los seres humanos han abandonado La Tierra tras un desastre nuclear, pero regresan a ella a bordo de una nave espacial que se queda orbitando con el objetivo de localizar y encontrar uranio. Para ellos hacen descender a un avanzado robot que logra localizar inesperadamente a otro robot que aún funciona. El paso del tiempo sin comunicarse con nadie y los efectos nucleares le han borrado en parte la memoria de los sucesos que ha vivido, pero el robot explorador logra reactivarle esos circuitos de memoria. A partir de ahí nos narra el propio robot tanto cuando fue creado como sus primeros trabajos para los humanos, así como él mismo fue superado por otras tecnologías hasta el accidente que lo dejó todo en tinieblas. La parte en que los dos robots entablan el comienzo de conversación de manera autónoma e independiente de un humano nos habla en buena parte de la Inteligencia Artificial y nos plantea cuestiones metafísicas sobre el ser y la existencia, aunque en realidad el enfoque de la narración no va por ahí. Recuerda algunas de las narraciones que en las décadas de 1970 y 1980 recogía la revista de ciencia ficción de Isaac Asimov, una revista de literatura. Por otra parte, incluso el robot protagonista tiene cierto aire de diseño retro de esas décadas, quizá incluso más antiguas. Palella ha tenido gusto en su creación.
CEIN 5: FAMILIAS REALES
Vaterland oder ein bule namens Yanto (Berthold Wahjudi, 2026 -Un bule llamado Yanto-): Filmado con cierto sentido de largometraje, pero totalmente consciente de que se trata de un cortometraje, por tanto: sin ser pretencioso. Cuenta con cierta capacidad de medios a juzgar por sus localizaciones, al igual que dije en un cortometraje anterior. En esta ocasión el interior de un tren, también el de un autobús, diversos exteriores, un bar con capacidad para dar conciertos y la mismísima Indonesia. Se trata de un alemán con orígenes indonesias que viaja precisamente a Indonesia para visitar a su hermana, la cual vive allí, y de paso a su tía, hermana de su padre. Para los alemanes no termina de ser considerado alemán y para los indonesios no termina de ser considerado indonesio, salvo para su tía, que tiene fotografías de él incluso cuando era bebé. No deja de ser un bule, un mestizo. Se pone en cuestión su propia identidad, cosa que a él le pesa. Poner en fotografía o video a la persona no deja de ser aquí una especie de alegoría y de metáfora sobre las clasificaciones sociales y como la identidad no sólo depende de uno mismo, sino también de los demás. Su hermana es reconocida más como indonesa por vivir allí en Indonesia y estar muy integrada con la sociedad joven de allá, por otro lado muy occidentalizada. Ella misma confiesa que cambió actitudes respecto a su tía cuando descubrió que lo que le enseñaron en Alemania era ofensivo en Indonesia. Él sin embargo es tomado por alemán en Indonesia, y en Alemania no se le toma por alemán, aunque tampoco quizá por indonesio, quizá por un musulmán, simplemente. Puesta en cuestión incluso la identidad familiar, la historia es narrada claramente desde un punto de vista de una historia común que podría ocurrirle a cualquiera. El sentido poético de la licencia respecto a la imagen fija se entiende bien siguiendo el argumento. Buenas interpretaciones de los actores.
Daughters of the late colonel (Elizabeth Hobbs, 2026 -Las hijas del último coronel-): Una de las animaciones más interesantes de este festival. Esta basado en el relato de mismo nombre escrito por Katherine Mansfield. Una breve historia pintada a manchas de acuarela combinadas sobre trazos de tinta que nos figuran a los personajes. Numerosas pinturas dando numerosos saltos que nos generan movimientos rápidos, casi mareantes, y nos narran la historia de dos hermanas que viven con un viejo coronel, su padre, al que han de cuidar porque ya no se puede levantar de la cama. Las ha criado bajo una autoridad muy severa. Ambientada en un viejo victorianismo algo rancio y ultraconservador, incluso siendo ellas ya adultas, las ha dominado muy severamente desde su convalecencia. Ni siquiera permite que suene música dentro de la casa y es precisamente una alegre música callejera la que provoca que sufra un colapso que terminará con su vida por infarto. En esos momentos ellas, que ni siquiera parece que pudieran tener contacto con la calle, se verán superadas al no saber cómo saldrán adelante, ya que dependían absolutamente en todo de su padre, incluido los ingresos y la casa. Deben realizar los funerales, cuando reciben la visita de un sacerdote protestante (por tanto, puede casarse) que llega a la casa para consolarlas religiosamente, aunque en realidad es un personaje inquietante, porque se intuye su doble intención y un mismo afán dominador. También reciben la visita de un militar reclamando objetos militares del padre. El proceso de opresión continúa aunque poco a poco la casa se vacía del padre, cosa que tendrá su culmen el día del entierro. En un bello ejercicio sobre la libertad personal y la liberación de las normas más autoritarias, es uno de los cortometrajes con más sentido artístico de los que se han presentado.
La durmiente (Maria Inês Gonçalves, 2025 -La durmiente-): La idea es una puesta en escena similar a la de Bugsy Malone, nieto de Al Capone (Alan Parker, 1976). Se recurre a actrices y actores que son niños para narrar una historia adulta. A modo de juego o de obra teatral infantil se nos muestra una narración histórica. La monarquía portuguesa del siglo XIV está en guerra con Castilla, por lo que se llega a un acuerdo mediante el que poner final a la guerra con un matrimonio entre los herederos de ambos reinos. Sin embargo, el rey de Castilla no desea esperar a la mayoría de edad de Beatriz, la princesa portuguesa, y se concierta casarla a sus 10 años de edad, algo anómalo hasta para la época. En 1383 la muerte repentina de los padres de Beatriz provoca que sea nombrada reina de Portugal. A la vez, una parte importante de la nobleza de Portugal está disconforme con que al ser menor de edad ella, sea de manera efectiva el rey de Castilla quien gobierne Portugal. Se inició así una guerra de dos años que acabó con la derrota castellana y el destierro de Beatriz a Castilla, donde vivió el resto de su vida y donde murió en Toro. Aquí comienza la nueva dinastía Avis en Portugal. El cortometraje se centra en la decisión de los padres de Beatriz de casarla, así como en la breve historia de Beatriz, que no deja de ser un sujeto infantil que no puede decidir por sí unos hechos que van a marcar y definir para siempre toda su vida. El cortometraje se desarrolla entre unas perfectas interpretaciones infantiles de la historia, un toque de voz documental e incluso, en el claustro del convento de Toro, prácticamente de una escena de documental de "cómo se hizo el documental". Maneja así varios lenguajes a la vez que están muy bien insertados entre sí. Destaca también que el patrimonio nacional haya logrado la filmación dentro de edificios históricos, e incluso que se pudiera tocar el sepulcro de Beatriz. Gusta cómo se hace ameno un tema tan de Historia pura y dura de uno de los personajes menos conocidos, por lo breve de su reinado... a los diez años, personajes secundario hasta de su propia vida. Y se recoge inteligentemente la preocupación del punto de vista como persona que era aquella niña obligada a irse de Portugal para siempre, recién huérfana, y casada en una edad impropia. Es un buen planteamiento de la historia puesta en cortometraje.
CEIN 6: LO MÁS NATURAL
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