NOTICIA 1188ª DESDE EL BAR: DJANGO, LINCOLN Y LOS MISERABLES

El pasado domingo 17 de febrero fueron los Premios Goya del cine español. Como al final he visto muchas de las películas nominadas a los Goya de este año 2012, hice mi lista de propuesta de ganadores... y me quedé a ver la gala para comprobar que acerté casi la mitad de los premiados. Bueno, ahí os dejo en comentarios ambas listas, y algunas percepciones sobre los premiados. Sobre el discurso del presidente de la Academia Cinematográfica Española diré que aunque le dió un fuerte tirón de orejas al Ministro de Cultura, Wert, con el que se tuvo que sentar al lado cuando acabó. Pero, ¿cómo pudo haber dicho que ellos [el cine allí presente] han sufrido los recortes "tanto o más que el resto [de la sociedad española]"? Me parece a mí que el cine que estaba sentado en esas butacas, no el de aquellos que no estaban allí y que mal viven de otros trabajos, no sufren más los recortes que aquellas personas que se han quedado sin casa, que han tenido problemas sanitarios, que no tienen qué comer, etcétera... Está bien que reclame lo que como presidente de la Academia le corresponde, pero me hubiera gustado que hubiera medido mejor sus palabras, por respeto. Sin embargo sí que dijo cosas que en cuanto a la Cultura fueron auténticas andanadas de realidad, a pesar de que sigue algo miope en la búsqueda de la convivencia del cine en Internet y el de la gran pantalla, simplemente no busca tal. El resto de la gala fue ampliamente reivindicativa en cuanto a las políticas que el gobierno ha realizado a lo largo del 2012, tan despiadadas con los trabajadores, desempleados y pensionistas. Hubo todo tipo de críticas por los recortes sanitarios, educativos, culturales, la reforma laboral, los deshaucios de casas, etcétera. 

La cosa es que este domingo que viene, 24 de febrero, será los Premios Oscars del cine estadounidense. Desde que comenzó el año he tenido ocasión de ir a ver tres de las películas favoritas, Los Miserables (Tom Hooper, 2012), Django desencadenado (Quentin Tarantino, 2012), y Lincoln (Steven Spielberg, 2012). Alguna más de las nominadas he visto a lo largo de 2012, pero me voy a centrar en ellas. Sobre Los Miserables hablé largo y tendido en El Tornillo de Klaus, aunque no se publicó todo lo correctamente que hubiera podido ser entre mi postura y la de los editores, para la próxima vez habrá que mejorar esta comunicación mutua. Ellos completaron mi visión con otra, en un artículo firmado por Miguel Cristóbal Olmedo. 

"Los Miserables, creada en 2012 por Tom Hooper, es una película tramposa. Mucha pompa, en los dos sentidos de la palabra. Como pompa que flota, puro jabón que desaparece en el aire tras encandilarnos en un momento fugaz… eso sí, un buen momento, pero endeble, inconsistente. Lo peor es que mucha gente va al cine estos días a verla atraídos por los anuncios de televisión llenos de grandilocuencia, o quizá porque el excesivo precio de las entradas les hace sentirse obligados a pagar por una gran producción, y sentirse más perezosos para pagar otro tipo de películas. Es la película de moda y mucha gente cree que si no va a verla no está a la última, como cuando todos se sintieron falsamente obligados a comprar un teléfono móvil con Internet, todos se sienten falsamente obligados a ir a ver este metraje. Pero es que resulta que mucha gente no está acostumbrada a los musicales, no los comprende y no les gusta, en consecuencia sacan sus teléfonos móviles con Internet y sin ningún respeto por el resto del público comienzan a usarlo molestando con su luz y sus ruidos. A mí me pasó en la sala de cine, pero por lo que me cuentan otros espectadores también han sufrido a estos desaprensivos que mejor harían en ir a otro metraje, irse de la sala o simplemente gastar su dinero en otra cosa que más les guste." Este es el comienzo de lo que escribí sobre esta película en El Tornillo de Klaus, que podéis leer entero en el enlace que os hice antes. A Los Miserables yo no la hubiera nominado a mejor película ni a otras cosas, aunque sí a otras candidaturas, como la dirección artística. Sobre lo de los teléfonos móviles empieza a ser demasiado común en todas las películas, imagino que en parte por la gratuidad de determinados servicios de telefonía desde hace un tiempo. Pero sobre todo ocurre por la falta de respeto.

Los Miserables, que sitúa la revolución final en una revuelta de 1832 y no en la revolución de 1830 como hizo su autor Víctor Hugo, nos habla en realidad de la revolución social actual y necesaria desde los desmanes que el gran capital y el Estado están produciendo contra los trabajadores desde la crisis de 2008. No representa la obra del siglo XIX del gran autor teatral, sino que reproduce el musical que se hizo en la décadad de 1980. Las voces no están muy bien usadas, ya lo dije antes. Pero de todo esto mejor remitirme al artículo citado que publiqué en la revista dicha. De llevarse un premio merecido yo se lo daría a dirección artística, y no comprendo porque no está nominada en fotografía.

Lincoln, tiene 12 nominaciones a los Oscars. Spielberg ya trató el tema de la esclavitud en el siglo XIX en la película Amistad (1997), donde fue muy poco autocrítico con la sociedad norteamericana y en exceso crítico con la española, hasta lo injusto, y también en la película El color púrpura (1985), que fue ninguneada por los premios de su país a pesar de su gran calidad artística. Cuando se trata de patriotismo estadounidense, Spielberg, el optimista y confiado en la bondad del ser humano Spielberg, suele serlo en extremo, a veces hasta lo chirriante, casi hasta lo complaciente. Lincoln me llamaba la atención por la Historia, por Spielberg y por el personaje, pero me ponía receloso esa complaciencia que podía traslucirse de la mentalidad patriotica del director y también ese positivismo pleno y feliz pase lo que pase.  Corría el riesgo de que yo fuese muy crítico negativamente con el resultado, pero no fue así, ciertammente me dejó muy satisfecho.

Al margen de la importante cuestión de la esclavitud que movió en su día a la guerra, la literatura y el cine nos han hecho olvidar que eligieron otro presidente en el sur porque consideraron que las medidas politicas y económicas de los Estados más fuertes de la Unión estaban empezando a ser abusivas, por lo que ellos no deseaban tanto separarse como mantenerse confederados (como la Unión Europea -UE- ahora) en lugar de federados y con la mayor voz en Washington (como la UE si al final nos federamos y mandase Alemania). El Norte tenía una economía industrial que amenazaba la agrícola del sur, y el sistema social del Norte era de un ultracapitalismo que amenazaba el sistema social también capitalista pero aún basado en éticas y morales de otros tiempos, y en valores humanos por encima de la brutalización del hombre libre (obviamente del esclavo no se decía nada). Es deleznable su esclavismo, pero políticamente en cuanto a confederados es para tenerlos en cuenta. Aunque el tema de la esclavitud tuvo su peso, también lo tuvieron otros temas políticos, sociales y económicos, y eso nos la ha querido ir tapando la cultura popular norteamericana generada desde 1865. Vicenç Navarro, catedrático de Ciencias Políticas, escribió un artículo en el diario Público donde nos recordaba que el ideario de Lincoln no se paraba sólo en la libertad del hombre con la abolición de la esclavitud, sino que iba más allá, pues consideraba que nadie era libre si siendo trabajador asalariado su vida dependía totalmente de los grandes empresarios. De no haber sido asesinado al final de la guerra hubiera sido interesante cómo hubiera evolucionado su política social, pues, por otra parte, tenía relaciones epistolares con miembros tan destacados de la I Internacional Obrera como Karl Marx o Engels. Lincoln venía de los estratos más pobres de la sociedad, tenía un carácter mesiánico marcadamente religioso y puro, con una esposa con accesos de presuntas visiones divinas, y, por otra parte, probablemente era masón. Pero Spielberg no trata sobre estos asuntos. Su película es claramente oscura, no cree tan positivamente en el ser humano. La esclavitud es una excusa en su metraje para hablar de otra cosa, de una crítica feroz a la doble moral norteamericana, del egoísmo humano, muestra por ejemplo esos empresarios y políticos norteamericanos empeñados en reconocer a los negros iguales jurídicamente ante la ley, pero no como personas comparados con un blanco, una doble moral para poder contratarlos a precios más bajos en las industrias del Norte, como así pasó realmente. Habla de la corrupción, y del peso en las decisiones políticas de los grupos de presión no elegidos por nadie, sólo por el dinero. Y muestra, algo fundamental aunque sea unos minutos, la Guerra de Secesión como algo brutal y no como algo heroico. A hecho una película de primeros planos, de oscuridad y de grandes monólogos reflexivos. La interpretación de Daniel Day-Lewis se merece un oscar, y su caracterización, maquillaje, peluquería y vestuario también. Es otro Spielberg el de esta película, desde luego.

Lincoln y la libertad de esos trabajadores oprimidos, los esclavos. Lincoln salvador del pueblo de una plaga (¿acaso en 2012 no dejaron ya claro que Lincoln era un cazavampiros en Abraham Lincoln: cazador de vampiros, de Timur Bekmambetor?). Y ese pueblo oprimido y transformado en Miserables levantándose en armas por las injusticias de un sistema que no les deja respirar económicamente y legalmente les pone como culpables de sí mismos. Sin duda Hollywood ha tomado muy buena nota de los tiempos actuales, y Hollywood, como la Iglesia, normalmente se posiciona de lado del que intuye que va a ganar la partida, ambos, Hollywood y la Iglesia, no suelen fallar... y ya Benedicto XVI en su día llegó a hablar en contra del sistema capitalista más salvaje de nuestros días. Lo hizo en marzo de 2008 en Estados Unidos contra los que acumulaban riquezas, y lo repitió abiertamente ya en julio de 2009 contra el "capitalismo salvaje" (entrecomillo sus palabras literales) y la globalización, aunque en esa ocasión pidió también algo muy peligroso: una autoridad política mundial.

Hay otro "Western" con la visión del siglo XXI nominada a mejor película, el de Quentin Tarantino: Django desencadenado. A mí me ha gustado bastante. La vi en versión original subtitulada, ya que me habían hablado de un mal doblaje de acentos en español. Lo hice a precio de día del espectador en los cines Yelmo de Madrid, que no sólo tienen descuentos dos días a la semana, sino que tienen varios tipos de tarifas reducidas para atraer a diferentes bolsillos. Deberían tomar nota algunos otros cines de estas promociones, o bien ir pensando en otras, tal como está el negocio. Aunque en Cuadernillos, de Alcalá de Henares, te hacen descuento en la siguiente película que vayas a ver si vas a ver una película previamente, obvio.

Como curiosidad diré que la escena de cameo para idólatras del Western me encantó. Hablo del encuentro del Django actual (Jammie Foxx) con el actor del Django de 1966 (Franco Nero). Django me parece mejor que la anterior producción de Tarantino, Malditos Bastardos (2009), porque creo que ha hecho mejor los deberes del tipo de cine al que se estaba dedicando homenajear, y porque creo que la película tiene un mensaje más allá de la acción que la otra no tenía. Tarantino ya ha declarado que se trata de una trilogía sobre la venganza, y que falta una tercera película. Esa tercera película será, como la de 2009, ambientada en la Segunda Guerra Mundial, aunque en una entrevista de promoción de Django en España había declarado que estaba interesado en hacer una película sobre la Guerra de la Independencia Española, sobre los sucesos de 1808 en Madrid, o ambientada en los de Cádiz de 1812... supongo que no se lo estaba creyendo ni él. Tarantino homenajea al Spaghetti Western, que es ese cine del Oeste que produjeron en principio italianos y españoles a partir de la década de 1960, cuyas aportaciones técnicas comenté en la Noticia 1155ª: ¿Cómo ves el cine? Así que me ahorro de hablar aquí ahora de lo técnico y tecnológico, aportaciones de encuadres y demás, y destacaré que es un cine muy basado en la violencia explícita y sangrienta, a diferencia de lo que los americanos habían hecho hasta esa fecha, y que además al héroe lo transforman en un héroe antihéroe. Era algo muy goloso para Tarantino, que revolucionó la manera de hacer cine en los años 1990 precisamente con ingredientes similares con Reservoir Dogs (1992) y Pulp Fiction (1994). Y es que, junto con la anterior mencionada de Malditos Bastardos, es probable que se trate de un regreso del director a sus dotes más impresionantes de hacer cine. Como Spielberg (cuya anterior película fue nefasta, War Horse, de 2011), Tarantino ha regresado a su ser este año pasado, 2012.

En Francia, Italia, España y Argentina, el Western llegó al cómic antes que lo hiciera a sus cámaras de cine en aquella década de 1960. Eso podría ser un antecedente del Spaguetti Western que pretende homenajear Tarantino. El italiano Hugo Pratt, desde Argentina, pintaba al Sargento Kirk en 1952, por ejemplo, y los franceses Jean-Michel Charlier y Jean Giraud creaban desde 1963 al Teniente Blueberry.

 El Western fue el origen del cine de ficción en Norteamerica. La primera película ficticia que ruedan a muy comienzos del siglo XX es Asalto y robo al tren (Edwin Porter, 1903, aunque también es conocida como El Gran Robo al Tren). Es un Western mudo donde el actor que hacía de malo disparaba a la cámara al final del metraje. Por entonces las novelas, memorias y autobiografías de pistoleros ya eran en sí un género de consumo de masas. El Western ha llegado desde entonces a nuestros días por muchos motivos, toca muchos temas, y a través de las décadas ha trasladado diferentes mensajes. De todos ellos en los que más ha ahondado normalmente son dos: el de la igualdad racial a través de mostrar desigualdades y batallas raciales, y por otro lado: el enfrentamiento entre dos mundos opuestos que, según la época, se correspondía con determinadas situaciones político-sociales. Yo creo que el Western no sólo es un producto de consumo, si no que es un género que gracias a la acción hace llegar determinados mensajes a las masas. Ahora bien, como en todo, hay obras que son puro Arte, y otras que son, bueno, historias que nos entretienen o que lo intentan.

Django es un esclavo negro comprado y liberado por un cazarrecompensas que lo instruye en el oficio para que le ayude a dar caza a tres asesinos buscados por los diferentes Estados de Norteamerica. Una vez logrado el objetivo, Django propone buscar y liberar a su esposa, una esclava negra con la peculiaridad de hablar alemán. Con este argumento se inicia una trama de acción que en realidad nos oculta en parte un mensaje del director. Tarantino ha sabido atraer a las masas a su película y lograr que disfruten con ella, bajo la citada acción pistolera, pero a la vez lanza al espectador, incauto o no, un mensaje claro parecido al de las otras películas citadas. Denuncia la explotación del hombre por el hombre, aunque esta vez desde la óptica de la venganza. Pero esa óptica podría ser aparente, porque Tarantino, como Spielberg, muestra en su película la total crudeza de la esclavitud, quizá va más lejos que Spielberg, que se entretiene con el debate moral, ético y político. El mensaje se encuentra en los actores de figuración principalmente, en sus tareas, sus torturas y sus padecimientos, en su vida cotidiana, en su vocabulario y en sus tratos con los blancos desde sus respectivos puestos domesticos o de campo. Los actores de reparto y el principal y secundario completan esta visión que le llega al espectador ya de modo directo porque se fije y lo analice, o ya de mmodo indirecto, porque ciertamente es muy evidente la crudeza con la que trata el asunto, aunque distraiga la reflexión sobre ello con la trama central, aunque nunca lo tapa del todo. Por cierto, que, en cuanto a esa trama central,  sin que venga muy relacionado, es un metraje donde el director ha sabido dar carácter propio a esos grandes calibres del Salvaje Oeste y sus efectos al impactar, algo que no ocurría en cine desde que en 1973 Sam Peckimpah rodara Pat Garrett & Billy el Niño.

Son tres películas claras que han visto muy bien lo que está pasando y, mediante argumentos del revolucionario siglo XIX, han querido expresarlo, quién sabe si también habrán querido decir algo más al espectador, o si bien la industria simplemente quiere alimentarse de ciertos sentimientos de injusticia y sed de justicia... O si bien es de todo un poco. Los artistas parecen claramente posicionados, aunque ninguno de los tres ha señalado directamente con el dedo lo que querían señalar. Las tramas están ahí, son evidentes, pero a todos les falta algo en ese sentido, no llegan a cuajarlo del todo, incluso en Los Miserables, que hubiera sido más fácil hacerlo. Quizá se deba a que tengan miedo a su propia sociedad norteamericana, donde sus propios conciudadanos han llegado a acusar con malas intenciones a su presidente y jefe de Estado, Obama, de comunista por el mero hecho de querer lograr una sanidad pública con más cobertura sanitaria para la sociedad tanto en enfermedades como en capas sociales a las que llegar. 

Los tres directores se relacionan mucho con Europa, y también saben lo que hay aquí, sobre todo desde 2011. Sus películas de 2012 son hijas de ese 2011... Algo se intuye y Hollywood como la Iglesia no se posicionan en vano. Quizá tengan dudas, quizá de ahí que algo no cuaje del todo aún, pero desde luego las tramas son muy evidentes, hablan de esa explotación del hombre y de ese conato de rebelión y revolución en busca de un mundo mejor y más justo.

Aún no me atrevo a hacer mis apuestas para los Oscars, pero quizá lo haga en comentarios antes del domingo, tras lo que dije que pondría de los pasados Goya. Saludos y que la cerveza os acompañe.